lunes, 3 de junio de 2013

Ángela Isidora Duncan

Ángela Isadora Duncan, conocida como Isadora Duncan (San Francisco, 27 de mayo de 1877 - Niza, 14 de septiembre de 1927) fue una bailarina y coreógrafa estadounidense, considerada por muchos como la creadora de la danza moderna.
Isadora Duncan nació en San Francisco, Estados Unidos. Su padre Joseph, abandonó la familia cuando Isadora era aún muy pequeña, siendo posteriormente acusado de fraude bancario, y encarcelado. Esto creó en el hogar de los Duncan una difícil situación de penuria económica, hecho que influyó al parecer en el alejamiento de la familia de la fe católica que habían profesado (Isadora se declaró varias veces durante su vida como «atea convencida»). Isadora Duncan abandonó la escuela a la edad de diez años y comenzó junto con su hermana Isabel a impartir clases de danza a otros niños de su barrio, mientras su madre, Dora, daba lecciones de piano para sustentar a la familia y se encargaba de la educación de sus hijos.

Isadora era una niña solitaria y retraída. La influencia del mar y sus juegos infantiles serían el origen de su peculiar estilo en la Danza. Cuando Isadora llegó a la adolescencia, la familia se mudó a Chicago, donde Duncan estudió danza clásica. La familia perdió todas sus posesiones en un incendio, y se trasladó nuevamente, esta vez a Nueva York, donde Duncan ingresa en la compañía de teatro del dramaturgo Augustin Daly.
En los albores del siglo Isadora convence a su madre y a su hermana para que la familia emigre a Europa.Las Duncan parten en 1900 y se asientan en Londres inicialmente, y posteriormente en la Ciudad Luz.

Durante su etapa londinense Isadora, siempre inquieta y autodidacta, pasa largas horas en el Museo Británico. Le fascinan las expresiones artísticas de la Grecia clásica, y muy especialmente los vasos decorados con figuras danzantes. De ellas adoptará algunos elementos característicos de su danza, tales como inclinar la cabeza hacia atrás como las bacantes. Es en esta época cuando comienza a consolidarse el estilo único de Isadora. Se trata de una danza muy alejada de los patrones clásicos conocidos hasta entonces, incorporando puestas en escena y movimientos que tenían más que ver con una visión filosófica de la vida ligada quizá al expresionismo, y por tanto a una búsqueda de la esencia del arte que solo puede proceder del interior. Isadora era plenamente consciente de que su estilo suponía una ruptura radical con la danza clásica, y en este sentido se veía a si misma como una revolucionaria en un contexto artístico de revisión generalizada de los valores antiguos. Al mismo tiempo que su estilo se iba consolidando, Isadora estudiaba en profundidad la danza y la literatura antiguas a través de los museos.

Los temas de las danzas de Isadora eran clásicos, frecuentemente relacionados con la muerte o el dolor, pero en oposición a los asuntos de la danza clásica conocida hasta entonces, que giraban en torno a héroes, duendes y trasgos. Su puesta en escena era también revolucionaria, y en cierto sentido minimalista: apenas algunos tejidos de color azul celeste en lugar de los aparatosos decorados de los montajes conocidos hasta entonces y una túnica vaporosa que dejaba adivinar el cuerpo y entrever las piernas desnudas y los pies descalzos, frente a los vestidos de tutú, zapatillas de punta y medias rosadas de rigor en el ballet clásico. Isadora bailaba sin maquillaje y con el cabello suelto, mientras que lo habitual en aquella época era maquillarse a conciencia y recogerse el pelo en un moño o coleta. Es comprensible que el estilo de Isadora chocase en un principio al público del momento, acostumbrado al lenguaje de la danza clásica. Isadora hubo de aguantar abucheos e interrupciones de diversa índole en sus sesiones de danza durante algún tiempo, siendo notable en este sentido la polémica que se desató durante una gira por América del Sur en 1916.
Simpatizó con la revolución social y política en la nueva Unión Soviética por lo que en 1922 se trasladó a Moscú. Su fama internacional llamó la atención y dio la bienvenida a la efervescencia artística y cultural del nuevo régimen. En 1924 Isadora fue enviada de vuelta a Occidente.



Isadora Duncan tuvo una vida íntima al margen de la moral y las costumbres tradicionales. Se casó con el poeta ruso Serguéi Esenin, 17 años más joven que ella. Esenin la acompañó en un viaje por Europa, pero el carácter violento de éste y su adicción al alcohol dieron al traste con el matrimonio.
 Isadora eligió ser madre soltera, y tuvo dos hijos. Aunque no quiso revelar el nombre de los padres se sabe que fueron del diseñador teatral Gordon Craig y de París Singer. La vida privada de Isadora no estuvo nunca exenta de escándalos, ni tampoco de tragedias. La 
más espantosa fue ciertamente la muerte de sus dos hijos Deirdre y Patrick, que se ahogaron en un accidente en el río Sena en París, en 1913, al caer al agua el automóvil en el que viajaban junto a su nodriza.
Isadora Duncan era bisexual, y mantuvo relaciones con algunas mujeres conocidas de su época, tales como la poetisa Mercedes de Acosta o la escritora Natalie Barney.


Hacia el final de su vida, la carrera de Isadora había empezado a declinar. Fueron para ella tiempos de serios problemas financieros y diversos escándalos sentimentales, acompañados por algunos episodios de embriaguez pública. Todo esto la fue alejando de sus amigos y su público, y finalmente de su propio arte. Isadora vivió aquellos años finales entre París y la costa del Mediterráneo, dejando deudas considerables en hoteles o pasando cortos períodos en apartamentos alquilados. Algunos de sus amigos trataron de convencerla para que escribiese su autobiografía, con la esperanza de aliviar un poco su ya preocupante situación económica. Uno de   estos amigos fue el escritor Sewell Stokes, quien conoció a Isadora en sus últimos años, cuando ya estaba prácticamente sola y arruinada. Stokes escribió posteriormente un libro sobre la bailarina: Isadora, un retrato íntimo. La autobiografía de Isadora Duncan fue finalmente publicada en 1927.




Isadora Duncan murió en un accidente de automóvil acaecido en Niza, la noche del 14 de septiembre de 1927, a la edad de 50 años.Fue incinerada, y sus cenizas fueron colocadas en el columbario del Cementerio del Père-Lachaise (París, Francia).
En el Panteón de San Fernando de Ciudad de México, hay un nicho de homenaje a su nombre.



Danza Contemporánea

La danza contemporánea surge como una reacción a las formas clásicas y probablemente como una necesidad de expresarse más libremente con el cuerpo. Es una clase de danza en la que se busca expresar, a través del bailarín, una idea, un sentimiento, una emoción, al igual que el ballet clásico, pero mezclando movimientos corporales propios del siglo XX y XXI.
En los inicios se buscaba una alternativa a la estricta técnica del ballet clásico, empezaron a aparecer bailarines danzando descalzos y realizando saltos menos rígidos que los tradicionales en el escenario. Con el tiempo, fueron apareciendo variaciones en las que la técnica clásica brillaba por su ausencia e incluso se introducían movimientos de otros estilos de baile, como movimientos aflamencados, movimientos tribales, acrobacias, contacto físico. Hasta el final de la Segunda Guerra Mundial, este renovado estilo de danza se llamó danza moderna, pero su evolución desde finales de los años 1940 en adelante llevó a que se prefiriese a partir de entonces emplear la expresión danza contemporánea. Hoy en día, las técnicas modernas dejan paso a un torbellino de mezclas de estilos, llegándose incluso a no dejar claro a qué estilo se asemeja o qué patrones se siguen. Se dice que en la danza contemporánea  "todo vale".





~Corriente Americana:

Sin utilizar las técnicas clásicas del ballet y creando una nueva danza,destacamos de ésta generación, mencionamos a Isadora Duncan, para ella lo más importante es el movimiento puro y no estructurado, donde el cuerpo expresara su espíritu, muchos coreógrafos y jóvenes bailarinas marcan ésta generación pero sin duda la más representativa es otra mujer Marta Graham que en New York, creó su técnica de danza contemporánea a través de los movimientos de acuerdo con la respiración. (1894-1991)




~Corriente Europea:

Se destaca con los inicios de la gimnasia rítmica en 1811, donde los estados espirituales se expresan en el cuerpo. Desde ahí en adelante hay muchos pioneros que trabajan el cuerpo mezclándose con la danza, dentro de muchos el más importante fue el método Dalcroze. Posteriormente destacamos a Rudolf Laban y Mary Wigman. En común todos trabajan sobre la esencia de la expresión del cuerpo, con un trabajo especializado en el trabajo físico con ejercicios especiales y donde la música es imprescindible.





En este tipo de danza, los movimientos se sincronizan con la cabeza tratando de comunicar un mensaje. Amplía el rango de movimiento, y utiliza el espacio con mayores posibilidades.
Una característica distintiva es el uso de multimedia para acompañar las coreografías, como video e imágenes usados de fondo.
La danza clásica tiene una dramaturgia con principio, clímax y desenlace. La danza contemporánea puede seguir esta estructura o bien, contar historias de una forma no lineal.
La danza contemporánea puede hablar de un concepto, proponer un ambiente o presentar movimientos con el propósito de conseguir una estética determinada, no siempre tiene que contar una historia. Por otro lado, la danza clásica se construye a través de pasos ya existentes y siempre codificados mientras que la danza contemporánea busca la innovación y la creación de nuevas formas de movimiento de acuerdo con las necesidades del coreógrafo o el intérprete. La danza contemporánea busca la conexión con lo terrenal, con lo humano y sus pasiones, la no estructura, la transgresión.



Danza contemporánea en España

La danza contemporánea en España es muy joven, tiene apenas cuatro décadas (aproximadamente) y es en el siglo XXI que empieza a tener una identidad propia, definida por lo que podría denominarse "segunda generación" de creadores y bailarines que después de veinte años se han consolidado a través de las compañías y creadores que han demostrado una continuidad y un desarrollo estable.

~En Barcelona

En Barcelona encontramos a Aúrea Sarrá, Josefina Cirrera y Tórtola Valencia, tres bailarinas exóticas con un estilo cercano a la Duncan por un lado, y a Mata Hari por otro.
  • Aurea Sarriá (Barcelona, 1889 - Arenys d'Empordà, 1974) desarrolló carrera internacional llegando a bailar para los reyes británicos, los de Egipto, en santuarios de Grecia y El Cairo, en Berlín y en diversas capitales europeas.
  • Tórtola Valencia (Sevilla, 1882 – Barcelona, 1955), bailarina autodidacta que en sus inicios se inspiró en Duncan , no tardó en desarrollar un estilo exótico propio, influida en gran parte por los modernistas cuando llegó a Barcelona y seguramente por los diseños de Léon Bakst.
  • Josefina Cirrera (Barcelona, 19...-1987) apostó por la danza libre de Duncan y llegó a presentarse en recitales con Joan Tena en la Barcelona de los años de posguerra.
En Barcelona, ya en los años 1950, Joan Tena consiguió la interrelación de las artes en un espectáculo avanzado para la época y el lugar. En 1952 presentó un espectáculo donde colaboraban diversos artistas de la vanguardia catalana, como fiel reflejo de la ideología de Diaghilev, entre los que se encontraban Tharrats, Brossa o Tapies, aunque el coreógrafo se alejaba del mundo del ballet clásico ya que introdujo claras influencias del expresionismo alemán, por su trabajo con Mary Wigman.

~En Madrid
En Madrid la figura fundacional es Pilar Sierra (Madrid, 1927) una estudiosa del análisis del movimiento que se inició con el ballet y se marchó a París donde estudió con Alexandre Golovine y entabló intima relación con Raimon Duncan, hermano de Isadora Duncan. Allí comenzará a estudiar la “técnica neutra”, para marchar luego a Alemania a la escuela de Mary Wigman en Dresde. En Londres estudiará la técnica Graham con Madame Cornelia. En ese punto interrumpe su carrera de bailarina y se va a los Pirineos para estudiar el movimiento primitivo. Después viaja a oriente y hace estudios en Tel Aviv de danzas locales. Después de la guerra vuelve a Madrid donde durante el franquismo, la policía política le cerró varias veces su escuela porque la censura imperante consideraba “subversivas” y “demasiado avanzadas” sus teorías y enseñanzas. 


viernes, 31 de mayo de 2013

Martha Graham (Allegheny, EE UU, 1894 - 1991)


Coreógrafa y bailarina estadounidense. La renovación experimentada por el lenguaje de la danza durante el siglo XX tuvo uno de sus puntales en la aportación de esta bailarina. Según su concepción, la danza, como el drama hablado, debe explorar la esencia espiritual y emocional del ser humano.

En este sentido es como hay que interpretar coreografías tan innovadoras en su día como Frontier, estrenada en 1935, y Carta al mundo, de 1940, o toda la serie de trabajos que realizó sobre temas de la mitología clásica, como Errand into the Maze (1947),Viaje nocturno (1948), Alcestis (1960), Fedra (1962) y Circe (1963). En una órbita diferente y más convencional se sitúa uno de sus mayores éxitos:Primavera apalache (1944), con música de Aaron Copland, ejemplo del interés de Graham por las danzas indias. En 1980 su estilo giró hacia el neoclasicismo. De su compañía han surgido algunas de las grandes figuras del ballet contemporáneo, como Merce Cunningham.






Martha Graham se formó en la escuela de danza Denishawn de Los Ángeles, donde tuvo como profesores a Ted Shawn y Ruth Saint Denis. En 1923 se trasladó a Nueva York e intervino en diversas producciones de Broadway. Allí dirigió también, entre 1924 y 1925, la sección de danza de la escuela de música Eastman en Rochester. En 1926 fundó su propia compañía y empezó a preparar sus propias coreografías, destinadas a marcar la historia de la danza.


Desde sus primeras coreografías, Martha Graham rehuyó la exuberancia de las producciones de Denishawn y apostó por una sencillez espartana tanto en el vestuario como en la escenografía; su peculiar línea de danza, de movimientos severos y angulosos, causó al principio rechazo, pero su fuerte expresividad le dio pronto adeptos incondicionales. A la vez que creaba sus coreografías, desarrolló diversas técnicas con las que formó a jóvenes bailarines, y que incluían trabajos de tensión y relajación y de armonización de movimiento y respiración.
A partir de 1934, Graham se sirvió exclusivamente de música especialmente compuesta para ella para preparar sus coreografías. Contó para ello con la colaboración de destacados compositores norteamericanos como William Schuman, Aaron Copland y el que fue durante gran parte de su carrera su director musical y socio, Louis Horst. En sus últimos montajes profundizó en el uso expresivo, a veces simbólico o alegórico, del vestuario, la iluminación y el diseño escenográfico, para el que contó con artistas como el escultor Isamu Noguchi.







Sus trabajos de los años veinte y treinta pusieron de manifiesto su actitud contra la injusticia social:Revuelta (Honegger, 1927), Inmigrant (Slavenski, 1928), Cuatro insinceridades (Prokofiev, 1929) yLamentation (Kodaly, 1930). Mostró también su interés por la tradición india en Primitive Misterys(Horst, 1931), Frenetic Rhythms (1933) American Provincials (Horst, 1934) y Frontier (Horst, 1935). Este último trabajo, de siete minutos de duración y mucho más dramatizado, evocaba la aventura de una campesina americana en el tiempo de los pioneros.

Algunos de sus trabajos posteriores revelaron un claro compromiso político. Dedicó Deep Song (Cowell, 1937) al sufrimiento de la mujer durante la guerra civil española. Su rechazo al nazismo causó su negativa a actuar en la inauguración de los Juegos Olímpicos de Berlín (1936). En 1937 creó la coreografía American document, una historia condensada de los Estados Unidos que representó en la Casa Blanca, ante el presidente Roosevelt.

Junto a Carta al mundo (1940), inspirada en la vida y obra de la poetisa estadounidense Emily Dickinson, de los años cuarenta destacan Viaje nocturno(Schuman, 1948) y Primavera apalache (Copland, 1944), dos coreografías que serían llevadas a la gran pantalla. Ambientada a principios del siglo XIX,Primavera apalache relataba la historia de una joven pareja en una pequeña comunidad de la frontera americana, dirigida por un anciano pionero. Centrada en las creencias, miedos y esperanzas en la nueva tierra de los protagonistas, se convirtió pronto en una obra clásica de la danza.




Retirada como bailarina en 1970, siguió en activo como coreógrafa; todavía en 1984, con noventa años de edad, preparó la de La consagración de la primavera de Stravinski. En 1973 se publicó Notas de Martha Graham, obra que ofrece un testimonio sobre la inspiración de sus más de ciento ochenta trabajos.

sábado, 2 de marzo de 2013

Visita a la escuela de arte dramático de Sevilla

En esta escuela se estudian y practican disciplinas como son:

-La expresión corporal.

-La pantomima.
-El flamenco.
-La interpretación.
-Las acrobacias.

En esta visita vivimos más de cerca el mundo de la danza y el arte, afortunadamente pudimos ser testigos de la dinámica de algunas clases, y ver el apasionante mundo de el arte dramático y por donde pasa cada persona para llegar en un futuro a ser un buen artista en su disciplina.






Danza en la Edad Moderna


El renacimiento se llama a la época en que se produce un gran movimiento artístico. Produciendo grandes adelantos literarios y sobre todo en la pintura. También fue la época de los descubrimientos de nuevas tierras y grande e importantes inventos. Como es de suponer este movimiento artístico tuvo su repercusión en la danza, ofreciéndose en el siglo XVI los bailes de sociedad y los de teatro al lado de los populares cuyos elementos ofrecieron en gran parte de los primeros.
Los de sociedad han ido hasta nuestros días acentuándose con elementos de sensualidad. Los teatrales acompañados de buenísimos decorados e indumentarias y sobre todo destacaban la plástica femenina, la que dio origen a la consagración de artistas numerosos.
Los bailes cultos alcanzaron categoría universal: el vals (alemán), la polea (bohemia), el schottis (escoces), la mazurca (polaca), el cotillón (francés). Los orígenes del ballet no pueden establecerse con certeza pero se cree que deriva de varias formas de entretenimientos; las mojigangas, mascaradas e interludios. Las mojigangas eran dadas por personas disfrazadas y enmascaradas que bailaban sin mezclarse con los espectadores. La mascarada consistía en una cantidad de carros con actores disfrazados, todos se iban deteniendo ante el y le declaraban. El interludio era una danza con canto que se hacía durante un banquete. Ejemplo de interludio que puede considerarse prototipo del ballet fue en 1489 en el casamiento del Duque de Milán con Isabel de Argón. Se dio una gran fiesta y cena. En cada plato de comida se danzaba. Se llamó “banquete-ballet”.
Primero se presentaba a los invitados la mesa sin tender, luego aparecían varias mascaradas haciendo homenaje a los recién casados. Luego entregaban un plato de comida y bailaban alrededor de la mesa los bailarines, así iban haciendo con cada plato, ya sean pavos, pescados, postres, etc. Pero los orígenes del ballet fue un espectáculo de gran lujo y muy costoso. Pro esa causa era que provenía de las cortes reales y señoriales de todos los países de Europa, pero especialmente de Italia.
Los bailarines se cubrían la cara con una máscara, y así fue como puede decirse que el ballet antes de florecer en Francia, formó su doctrina y tomó cuerpo en Italia, de donde fue llevado a Francia por Catalina de Medici (1519-1589) quien lo llevó para entretener a sus hijos. 

DANZA EN EL SIGLO XX

 
A principios del siglo XX, las artes en general hacen un serio cuestionamiento de valores y buscan nuevas formas de reflejar la expresión individual y un camino de la vida mas dinámico.Desde los años 20 hasta nuestros días nuevas libertades en el movimiento del cuerpo fueron los detonantes del cambio de las actitudes hacia el cuerpo.
 
-1910-1920 ->En los años 20, el baile característico fue el Charlestón,también conocido como Hit-Hat,. Surgió en EE.UU, se origina en 1903, como una danza folclórica negra. Su nombre se debe a la ciudad dónde se origino. El baile es rapidísimo y requiere gran velocidad de pies y no poco entusiasmo. Se baila en cuatro tiempos, tanto en pareja como individualmente. Se extendió a Europa.A partir del año 1927, el Charlestón comenzó a decaer, llevándose consigo uno de los bailes más extravagantes y conocidos hasta esa fecha.
 
-1930-1940-> El foxtrot, es un popular baile estadounidense, que nace en 1912. pero no fue hasta 1930 donde alcanzó su mayor auge.fue entonces cuando el Slow Fox se introdujo en los bailes Estándar.
El fox lento se bailaba inicialmente con un tiempo de 48 compases por minuto, número que se fue reduciendo hasta llegar a 32 compases por minuto a finales de los años 20

1970-1980->Los años 70' y 80' fueron tiempos memorables en la historia de la danza americana. La cultura de baile de los 70 fue dominada por la era disco a toda marcha.El baile disco más popular de los 70 fue el Hustle. Tuvo algunas variaciones.Los 80' trajeron la era del hip hop con los bailarines de break dance y sus grabadores, practicando su arte en las calles. en 1984, el baile break se convirtió en una parte principal de la cultura pop. El break dance destacó dos estilos distintos usados por los grupos de baile para competir entre ellos. Este tipo de baile consiste en series constantes de giros usando la espalda, rodillas y hasta la parte de arriba de la cabeza. La mayoría de los bailes break se hacían en la calle, donde dos grupos tomaban turnos para intercambiar movimientos y competir hasta que uno no pueda superar al otro. A los bailarines de break dance se los denominaba "B-boys" o "B-Girls